Проторенессанс, Живопись Проторенессанса - Живопись итальянского Ренессанса. Формирование новых принципов изобразительного языка

В итальянской культуре XIII--XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства -- которое впоследствии станет именоваться искусством Возрождения. Поэтому этот период его истории и назвали Проторенессансом (от греч. "протос" -- "первый", т. е. подготовивший наступление Ренессанса). Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой же Италии проторенессансное искусство возникло и развивалось только в Тоскане и Риме.

В итальянской культуре переплетались черты старого и нового. Последний поэт Средневековья и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265--1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия -- Франческо Петрарка (1304--1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313--1375), основоположник жанра новеллы (короткого рассказа) в мировой литературе. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

Живопись Проторенессанса

В искусстве итальянского Возрождения настенная живопись занимала господствующее место. Она выполнялась в технике фрески. Приготовленными на воде красками писали либо по сырой штукатурке (собственно фреска), либо по сухой -- эта техника называется "а секко" (в переводе с итальянского -- "по сухому"). Основное связующее вещество штукатурки -- известь. Т. к. для высыхания извести требуется немного времени, фресковая роспись должна была выполняться быстро, нередко по частям, между которыми оставались соединительные швы. Со второй половины XV в. технику фрески стали дополнять живописью а секко; последняя позволяла работать более медленно и допускала отделку деталей. Работе над росписями предшествовало изготовление синопий -- вспомогательных рисунков, нанесенных под фреску по первому слою штукатурки. Эти рисунки выполнялись красной охрой, которая добывалась из глины близ города Синоп, располагавшегося на берегу Черного моря. По названию города краску называли синопской, или синопией, впоследствии так же стали называться и сами рисунки. Синопии применялись в итальянской живописи с XIII до середины XV в. Однако не все живописцы прибегали к помощи синопий -- например, Джотто ди Бондоне, виднейший представитель эпохи Проторенессанса, обходился без них. Постепенно от синопий отказались. С середины XV в. широкое распространение в живописи получили картоны -- выполненные на бумаге или на ткани подготовительные рисунки в размере будущих произведений. Контуры рисунка переносили на влажную штукатурку с помощью угольной пыли. Ее продували через проколотые в контуре дырочки и вдавливали в штукатурку каким-либо острым инструментом. Иногда синопии из эскизного наброска превращались в законченный монументальный рисунок, а картоны приобретали значение самостоятельных произведений живописи.

Одним из самых ценных источников сведений о жизни и творчестве итальянских художников Возрождения служит внушительный труд "Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих", принадлежащий перу Джорджо Вазари (1511--1574), итальянского архитектора, живописца и историка искусства. Родоначальником нового итальянского стиля живописи Вазари называет Чимабуэ (собственно Ченни ди Пепо, ок. 1240 -- ок. 1302). Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. И хотя Чимабуэ в своем творчестве следовал византийским традициям, в своих работах он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.

Поиски нового гораздо решительнее обнаружили себя в произведениях Пьеро Каваллини (между 1240 и 1250 -- около 1330), поклонника позднеантичной живописи. Каваллини жил и работал в Риме. Он является автором мозаик церкви Санта-Мария ин Трастевере (1291), а также фресок церкви Санта-Чечилия ин Трастевере (около 1293). В своих произведениях Каваллини придавал формам объемность и осязаемость.

Достижения Каваллини перенял и продолжил Джотто ди Бондоне (1266 или 1267 -- 1337), величайший художник Проторенессанса. С именем Джотто связан поворот в развитии итальянской живописи, ее разрыв со средневековыми художественными канонами и традициями итало-византийского искусства XIII в. Наиболее известные произведения Джотто -- росписи капеллы дель Арена в Падуе (1304--06). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью, наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам. Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон, Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей: с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами, правильным разрезом глаз и т. п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами. Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции. Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения передается мимикой лица, жестами, позой. Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж, интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.

После Джотто в развитии итальянской живописи произошел заметный спад. Во второй половине XIV в. на первое место выходит живописная школа Сиены. При всем богатстве и процветании этот тосканский город меньше, нежели Флоренцию, затронуло движение Ренессанса. Как писал историк и искусствовед П. П. Муратов, "Сиена всегда была беднее мыслью, но богаче чувством... В этом городе искусство не было призвано указывать путь человечеству, намечать линии всемирной истории духа, как это было с искусством во Флоренции. Оно было замкнуто в кругу простых верований и ясных непосредственных чувств".

Дуччо ди Буонисенья (ок. 1255--1320), старший современник Джотто и основатель сиенской школы живописи, в своем творчестве придерживался традиций византийской иконописи (см. статью "Искусство Византии. Средний период. Середина IX в. -- 1204 г."). Его крупнейшая работа -- огромный алтарный образ "Маэста" ("Величие"). К кругу Дуччо принадлежал Симоне Мартини (ок. 1284--1344), крупнейший и наиболее изысканный мастер сиенской живописи XIV в. Росписи Симоне Мартини, украшающие зал Маппамондо (Карты Мира) в сиенском Палаццо Публико, свидетельствуют о том, что несмотря на приверженность мастера к культуре поздней готики, в его творческом воображении рождались необычные образы ("Маэста"). На противоположной стороне зала Симоне поместил фреску иного характера. В истории искусства она стала первым изображением конкретного исторического события с портретом современника. Это изображение "Кондотьера Гвидориччо да Фольяно", явившееся прототипом для многочисленных будущих конных портретов. Заслуженной известностью пользуется алтарный образ "Благовещение" кисти Симоне Мартини, ныне хранящийся в галерее Уффици во Флоренции.

Знаменитыми представителями сиенской живописи XIV в. были братья Пьетро (ок. 1280 -- ок. 1348) и Амброджо (нач. XIV в. -- 1348) Лоренцетти. Старший из братьев, Пьетро, известен как создатель монументальных и драматических образов во фресковой живописи. Однако главенствующая роль в этом искусстве принадлежала Амброджо. Наиболее известными его работами являются фрески Палаццо Публико со сценами "доброго" и "злого" правления.

Заслугой сиенской школы стало создание изысканного типа женской красоты, представленного в упоминавшихся выше работах Симоне Мартини и Амброджо Лоренцетти: белокурые волосы, слегка вытянутое лицо, длинный нос, близко посаженные миндалевидные глаза. Этот тип, быть может не слишком привлекательный с современной точки зрения, был воспринят другими школами, повторяясь и варьируясь в различных центрах итальянского искусства.

В последние десятилетия XIV в. Италия переживала тяжелые потрясения, связанные с упадком торговли, войнами и эпидемиями чумы, завезенной с Востока. Идея конца света, сопутствующая смене веков, широко распространилась в итальянском обществе, в котором нарастали мрачный пессимизм и мистические настроения. Редкий по выразительности памятник живописи того времени -- огромная фреска "Триумф смерти" (1350--1360) в галерее кладбища Кампо Санто в Пизе. Авторы фрески точно не известны. В главной части композиции Смерть -- крылатая седая старуха -- летит с косой в руках к группе беззаботно развлекающихся в саду юношей и девушек, в то время как уродливые калеки, нищие и старики, жестикулируя и размахивая костылями, тщетно стараются обратить на себя ее внимание. В левой части росписи кавалькада нарядных всадников неожиданно натыкается на опушке леса на три открытых гроба с покойниками. Средневековая тема скоротечности жизни и безграничного могущества смерти все чаще возникала в европейской живописи, воплощаясь как в масштабных аллегорических композициях, так и в небольших натюрмортах.

Похожие статьи




Проторенессанс, Живопись Проторенессанса - Живопись итальянского Ренессанса. Формирование новых принципов изобразительного языка

Предыдущая | Следующая