Особенности и достижения искусства "Северного Возрождения" - Развитие искусства Италии в эпоху Ренессанса

Главное событие в духовной и политической жизни Европы 16-17 вв. -- Реформация -- оказало всеобъемлющее влияние на развитие духовной жизни и культуры. Из идеи Лютера о приоритете писания над преданием вытекала обязательность ежедневного чтения Библии, необходимость для верующего личного, "без посредников", общения с Богом. Поэтому во всех протестантских странах появились переводы Библии на национальные языки. Лучший из них -- перевод самого Лютера -- открыл собой эпоху в развитии немецкого языка. В протестантских странах быстрее росла грамотность, создавались школы для всех сословий. В изобразительном искусстве новое видение человека нашло наивысшее отражение в творчестве Рембрандта. В архитектуре протестантских стран явственно заметно стремление к строгой простоте, отказ от излишней пышности.

Начало Реформации связывают с выступлением Мартина Лютера 31 октября 1517 года против торговли папскими индульгенциями. Идеологи Реформации выдвинули тезисы, которые отрицали необходимость католической церкви с ее иерархией и институтом духовенства, отвергали каконы католического богослужения, не признавали права церкви на земельные богатства. Традиционно выделяют три основных направления Реформации: бюргерское (Лютер, Жан Кальвин, Ульрих Цвингли); плебейское, соединявшее требование упразднения католической церкви с борьбой за установление равенства (Томас Мюнцер, анабаптисты); королевско-княжеское, отражавшее интересы светской власти, стремившейся расширить свое политическое значение за счет церковных владений. Под идейным знаменем Реформации проходили Крестьянская война в Германии 1524-1526 годов, Нидерландская и Английская революции. В Реформации лежат истоки протестантизма (в узком смысле реформация -- преобразование христианства в протестантском духе).

Северное Возрождение -- чисто условное, но общепринятое понятие для искусства стран Европы к северу от Альп (главным образом, Германии, Нидерландов, Франции) в период, соответствующий итальянскому Высокому Возрождению (ок. 1500-1550-х гг.). В развитии искусства этих стран нет синхронности, как нет и единства в эволюции разных видов искусства (архитектуры, живописи, скульптуры и декоративно-прикладного искусства), столь характерного для итальянского Возрождения.

В отличие от итальянского Возрождения, для Северного Возрождения характерны большая стойкость средневековых традиций, интерес к индивидуальной неповторимости человека и его окружению (в т. ч. к интерьеру, натюрморту, пейзажу).

Искусство стран Северного Возрождения генетически связано с готикой, национальной традицией. Истоки его некоторые специалисты возводят к середине 14 в., когда при блестящем дворе герцогов Бургундских творили выдающиеся мастера (братья Лимбург, Х. Мемлинг и др.), в чьем творчестве уже заметен поиск индивидуальной характеристики, стремление к созданию целостной картины прекрасного мира.

Нидерландская школа живописи 15 в. отмечена пристальным вниманием к деталям, пониманием ценности каждого явления, общим ощущением одухотворенности, разлитым в воздухе (Ян ван Эйк, Рогир ван дер Вейден; некоторые мастера этой школы работали при бургундском дворе). Творчество крупнейшего нидерландского художника этого периода Иеронима Босха лишь в пейзажных далях сохраняет этот восторг перед божественной красотой мироздания, в его произведениях торжествует сатирико-морализирующая линия, восходящая к народным традициям Средневековья.

Иероним Босх (Ерун Антонисон ван Акен) был одним из крупнейших мастеров Северного Ренессанса. Родился в городе Гертогенбосе около 1453 г., вдали от главных культурных центров Нидерландов. Его семья была связана с художественным ремеслом за несколько поколений до Иеронима: его дед, Ян ван Акен, а так же четверо его сыновей, включая отца Иеронима Антония, были художниками.

Предполагается, что Иероним обучался живописи в семейной мастерской, которая выполняла различные заказы: изготовление церковной утвари, золочение деревянных скульптур, росписи стен. В начале своей творческой деятельности Босх перенимает тенденции современного ему искусства - конкретизация человеческого образа, интерес к земной реальности. Его произведения полны сарказма и сатиры, они высмеивают пороки человека и общества. Например, картина "Операция от ума" (1475 - 1480): лекарь-шарлатан проводит операцию по извлечению "камня глупости" (в народном фольклоре того времени это распространенный сюжет). В качестве хирурга выступает монах, и в этом можно увидеть злую насмешку над духовенством. Воронку на голове лекаря и книгу на голове монахини в данном контексте можно интерпретировать как признак шарлатанства. Тюльпаны, один из которых лежит на столе, а второй произрастает прямо из головы пациента, трактуются как символ доверчивости и недалекости. Равнинный городской пейзаж со шпилями соборов, реалистичное изображение людей указывают на обыденность данной сцены, ее реальность. Таким образом, мы видим, что глупость и обман прочно укоренились в человеческой повседневности, они являются основой бытия.

Другая работа художника, "Корабль дураков" (1495 - 1500), считается частью триптиха и относится к зрелому творчеству Босха. На ней изображена лодка, в которой разместились несколько людей из разных социальных слоев. Монахи здесь пируют и веселятся вместе с крестьянами. За бортом плавают обнаженные люди, желающие присоединиться к гуляниям. На стволе дерева, торчащего из кормы, сидит человек, облаченный в шутовской костюм. Монахиня играет на лютне, один из пассажиров тянется с ножом к жареному гусю, привязанному к мачте, все поют песни и распивают вино. Каждая фигура и каждый предмет здесь имеют определенное символическое значение. Художник разоблачает человеческие пороки: пьянство, разврат, чревоугодие, тщеславие, невоздержанность. Мы видим общий упадок нравов, как среди духовенства, так и среди всего остального населения. Изображенные на картине пассажиры корабля так лихо беспутствуют, что кажется, будто корабль (который символизирует церковь, ведущую души прихожан к небесной пристани) вот-вот перевернется.

Самым известным произведением Иеронима Босха является триптих "Сад земных наслаждений" (1500 - 1510), в открытом виде поражающий красочностью и обилием фигур. В центральной части триптиха изображен сад наслаждений, слева от него рай, а справа - ад.

Сад земных наслаждений

Дать однозначную оценку того, какой именно смысл художник вкладывал в это произведение, и особенно в центральную его часть, довольно сложно. В настоящий момент существует несколько гипотез, трактующих образ центральной створки. Одну из них выдвинул исследователь Э. Гомбрих: он считает, что это представление о мире до Великого потопа, когда человечество погрязло в грехах настолько, что Бог решил уничтожить его.

Влияние Босха ощутимо в произведения Питера Брейгеля, сумевшего подняться до высот философских обобщений о месте человека в мироздании. Пройдя школу в Италии, Брейгель показывают мощь и красоту фигур крестьян, далеких от античных образцов, но живущих в тесном единении с природой. Сильнейшее влияние на искусство Нидерландов оказала Реформация: религиозная картина утратила свое значение, получили развитие светские жанры -- портрет, пейзаж, бытовой жанр.

Питер Брейгель Старший (1525/1530 - 1569) начал свою творческую биографию в качестве мастера графики. В 1540-х годах он попал в мастерскую Питера Кука ван Альста, служившего придворным художником у императора Крла V. Брейель обучался у ван Альста художественному ремеслу и до самой смерти учителя работал в мастерской. В 1551 г. он поступил на службу в мастерскую к Иерониму Коку, печатавшему гравюры. В том же году был принят в антверпенскую гильдию живописцев. В 1552 - 1553 гг. Брейгель посетил Италию, Францию и Швейцарию, дабы написать серию итальянских пейзажей. Это путешествие произвело на художника неизгладимое впечатление - древние памятники античного искусства и шедевры Возрождения потрясли его своим великолепием.

В своих ранних произведениях Брейгель сочетал итальянские и альпийские впечатления и мотивы родной природы, а художественные принципы нидерландской живописи сочетались в его работах с некоторыми чертами маньеризма. Новая ступень в творчестве Брейгеля начинается с его произведения "Битва масленицы и поста" (1559). Человек больше не находится в центре мироздания, он растворяется в толпе, в суете огромного мира. Художник показывает толпу людей, охваченную весельем, все люди находятся в беспрерывном движении.

Битва масленицы и поста

По сравнению с грандиозностью и монументальностью мира, людская жизнь кажется Брейгелю бессмысленной суетой. Между тем, человечество представляется ему великим множеством ничтожно малых величин, и он стремится показать это на примере народной повседневной жизни. В своем творчестве Питер Брейгель часто обращается к фольклору и народной культуре. Он пишет сатиру на современное ему общество, выражая отвлеченные понятия - скупость, ограниченность, трусость - в человеческих образах и поступках. В своей картине "Фламандские пословицы" художник обнаруживает свое пристрастие к изображению гротескного, уродливого, но под насмешкой над людьми скрывается любовь к человечеству.

Для следующего этапа творчества Брейгеля характерны сцены, превосходящие своей зловещей фантастичностью картины Босха. В 1561 он пишет "Триумф смерти", где люди пытаются спрятаться в гигантской мышеловке со знаком креста от убивающих их скелетов.

Триумф смерти

На картине "Безумная Грета" (1562) мы видим затянутое красным маревом небо, выползающих на землю страшных существ, головы с огромными глазами, возникающими из развалин и людей, уже не ищущих спасения. Осуждение человеческих страстей и пороков перерастает у автора в глубокие размышления о судьбах человека и общества, приводя его к грандиозным и трагическим картинам. В то же время, не смотря на фантастичность, произведения поражают ощущением реальности. Они написаны во времена, когда испанские притеснения в Нидерландах достигли апогея и было совершено больше казней, чем когда либо в истории страны. Таким образом, художник настойчиво передает трагизм реальной, современной ему жизни.

Постепенно экспрессивное и трагическое мироощущение Брейгеля сменяется философскими размышлениями и горькими печальными настроениями. Он возвращается к реальным формам, создавая произведения с далекими бескрайними пейзажами. На этом этапе творческим исканий в работах художника преобладают одиночество, душевная мягкость и добрая обращенность к миру. В этот период были написаны такие картины, как "Две обезьяны" (1562), "Вавилонская башня" (1563). Брейгель впервые открывает для себя и для современников ценность повседневной жизни людей и их деятельности, преодолевая скептическое отношение к миру, хотя эта ценность пока скрыта под толщей его прежних космических и негуманистических взглядов.

Две обезяны

В 1565 г. художник создает цикл пейзажей, посвященных временам года. В истории искусства эти пейзажи занимают исключительное место - идея круговорота природы впервые была так органично вписана в сюжеты повседневной человеческой жизни. Человек позиционируется в в них как неотъемлемая часть природы. К циклу относят картины "Сумрачный день", "Жатва", "Возвращение стад" и "Охотники на снегу". Начиная с 1566 г. творчество Питера Брейгеля развивается в прямой связи с нидерландской революцией и борьбой против испанского феодализма и католицизма. Он пишет картины о жизни народа в общественном и конкретно-социальном ключе. Таковы его работы "Избиение младенцев", "Проповедь Иоанна Крестителя" (1566), "Крестьянский танец", "Крестьянская свадьба"(1567). Две последние посвящены активному в то время движению иконоборчества. Ряд мрачных и жестоких картин ("Калеки", "Мизантроп", "Похититель гнезд", "Слепые"), написанных в 1568 г., косвенно связан с первым кризисом в развитии нидерландской революции. Последней картиной художника стала "Пляска под виселицей" (1568), где соединены стремление к былой гармонии и разочарование от невозможности этого возвращения.

На исходе Средневековья в Германии происходили те же процессы, что и в других странах Западной Европы. Цеха постепенно заменялись мануфактурным производством, города росли и укрепляли свои позиции, бюргерство и купечество приобретали все более важное значение. Аналогичные процессы происходили и в культуре: самосознание человека возрастало, пробуждался интерес к реальной окружающей действительности, научные знания приобретали все более большую значимость, а стремление к ним человека постепенно увеличивалось. Наука и искусство постепенно освобождались от господства авторитета церкви, все большее распространение получал гуманизм.

Однако готические традиции прочно укоренились в культуре Германии. Живопись 15 в. была прочно связана с церковью, и алтарные композиции преобладали в творчестве большинства художников. Одним из главных достижений этого века стало развитие интереса художников к отражению живых человеческих чувств в религиозных произведениях. Фигуры святых стали приобретать черты людей того времени, а религиозные сцены дополнялись жанровыми подробностями. Мелкие жизненные детали, вводимые художниками в свои работы, оживляли произведения и делали их более доступными для зрителя.

Одним из крупных мастеров 15 в. был Конрад Виц. Он сумел достичь в своих работах пространственной глубины, еще не зная законов перспективы. Художник широко использует светотень, с ее помощью он придет объем фигурам, предметам и самому пространству. Его пейзажи отличаются достоверностью, в них можно разглядеть реальные ландшафты Германии (например, "Хождение по водам", ок. 1435). Однако, его работам не хватает композиционной целостности, часто детали картины кажутся не связанными между собой.

Хождение по водам

Во второй половине 15 в. художник и гравер Марк Шонгауэр продолжил в своем творчестве ренессансные реалистические тенденции. Произведение "Мадонна в розовой беседке" (1473) считается одной из лучших его работ. Композиционное построение картины напоминает работы итальянских мастеров, но образу Богоматери не хватает гармонии и жизнелюбия, свойственных традициям итальянского Ренессанса. Шонгаур внес большой вклад в развитие гравюры в Германии, где она пользовалась большой популярностью, в основном, в народной среде. За счет того, что гравюра заменяла дорогие миниатюры, книги становились на порядок дешевле, и это давало возможность небогатым людям покупать их.

Мадонна в розовой беседке

В то время крупным специалистом по части гравюры считался т. н. Мастер игральных карт, известный так же своими работами на религиозную тематику. Но самой значительной фигурой в гравюрной технике стал Шонгауэр. Среди сохранившихся его работ самые известные - "Несение креста", "Драка подмастерьев", "Рождество Христово", "Мельник с ослицей и осленком", "Поклонение волхвов". Гравюры Шонгауэра приобрели большую популярность в 15 и 16 веке как в Германии, так и в других странах Западной Европы.

Поклонение волхвов

Расцвет эпохи Ренессанса в Германии пришелся на начало 16 в.. Эта эпоха крестьянских волнений и революционного движения выдвинула ряд значительных личностей, среди которых, например, основоположник Реформации в Германии Мартин Лютер. Несмотря на то, что крестьянство и рыцарство потерпели поражение, революционное движение оказало на развитие немецкой культуры огромное влияние. Благодаря революционным идеям быстрыми темпами развивалась наука, переживали расцвет искусство и философия.

Продвижение гуманизма было направлено против пережитков феодального строя с его культурными традициями. Немецкое искусство этого времени отличилось сбивчивостью понятий, противоречивостью. В нем в гораздо большей степени присутствует теологическое начало, нежели в итальянском возрождении, где большее внимание уделялось вере в человеческий разум. Искусство выделяется в самостоятельную область культуры, становится одним из средств познания мира.

Именно в этот исторический период в Германии начинает свою творческую деятельность Альбрехт Дюрер. Он родился в Нюрнберге в 1471 г., в семье ремесленника. Его отец, золотых дел мастер, был его учителем. Позже он поступил в мастерскую Вольгемута. Свою первую работу Дюрер написал в 13 лет - "Автопортрет" (1484), выполненный серебряным карандашом. В работе присутствуют некоторые детали, характерные для готического искусства, но уже можно заметить акцент на личность человека, его индивидуальность. Его акварельные работы, относящиеся к началу 1490-х гг., пронизаны глубоким чувством природы. В них можно заметить некий отход от общепринятых эстетических условностей искусства того времени. Дюреру удается передать ощущение целостности образа природы, совершенно не свойственное живописи 15 в., а так же свободное и смелое принятие красоты мира мыслящим человеком.

Серия гравюр на дереве на тему Апокалипсиса была первой крупной работой Дюрера. Она представляет собой сложное сплетение средневековых взглядов с новыми веяниями тех лет. В гравюрах сохраняется средневековая аллегоричность, запутанность богословских понятий, символизм образов, но появляется чувство борьбы и напряженности, столкновение материальных и духовных сил. Очень интересны автопортреты Альбрехта Дюрера, написанные им в разное время своего творчества. В более раннем (1493) из них прослеживаются черты готических традиций: типичный для портретов готики жест руки, держащей веточку чертополоха, которая символизировала мужскую верность, дробность складок, угловатость пальцев. Но правдивость и реальность, с которой он изображает собственное лицо, позволяет узнать те же черты, что присутствовали в его детском автопортрете. В 1498 г. художник создает уже портрет-картину, композиция которой выдает влияние итальянских живописцев. На заднем плане присутствует фрагмент типичного ренессансного пейзажа. Привычный образ художника претерпел некоторые изменения: теперь это зрелый, нарядно одетый человек, преисполненный чувства собственного достоинства.

Четыре всадника апокалипсиса

После 1500 г. в творчестве Альбрехта Дюрера происходит перелом. Встреча с итальянским живописцем Якопо де Барбари, показавшим ему научно построенное изображение человеческого тела, сильно повлияла на его творческие изыскания. Работам над тайной классического идеала человеческой фигуры Дюрер посвятил более десяти лет, написав впоследствии три "Книги о пропорциях". Свидетельством перехода на новый творческий уровень стал автопортрет художника 1500 г.. Из него исчезают все детали обстановки, побочные элементы, отвлекающие зрителя от человеческого образа. Зато присутствует стремление к упорядоченности, обобщенности, уравновешенности образа. Внешний облик выдает заранее обдуманное идеальное представление о человеке. Эта работа знаменует полную творческую зрелость Альбрехта Дюрера и является одним из самых значительных его произведений. Художественная культура Германии, как и вся немецкая культура, к середине 16 в. пришла в глубокий упадок в связи с сильными экономическими и социальными потрясениями.

Эпоха Возрождения пришла во Францию во времена формирования буржуазных отношений и образования абсолютистского государства. В этот период гуманистическое мировоззрение потеснило религиозную средневековую идеологию, широкое распространение получили светская культура и искусство. У французского Ренессанса много общего с итальянским: это и обращение к античным традициям, и связь с наукой, и ярко выраженный реализм. Но, конечно, искусство Возрождения во Франции имело свои специфические черты и носило своеобразный характер. Жизнеутверждающий гуманизм соседствовал в нем с трагичностью, сложностью и противоречивостью возникновения нового исторического этапа.

На развитие французского Ренессанса, в особенности на его схожесть с итальянским, повлияли приглашенные во Францию крупные итальянские мастера, а так же военные походы в Италию, ставшие возможными благодаря росту политического и экономического могущества страны. В период расцвета французского Возрождения при дворах крупных феодальных правителей в Париже, Бурже и Дижоне возникла культура, соединяющая в себе черты уходящего Средневековья и наступающего Ренессанса, которую нидерландский историк Йохан Хейзинга назвал "Осенью Средневековья". Одним из первых мастеров французского Ренессанса стал художник Жан Фуке. Большая часть его сохранившихся произведений составляют портреты, отличающиеся исключительной точностью передачи черт модели и документальной правдивостью. По тщательности манеры исполнения Фуке не уступает нидерландским мастерам, но отличается от них большей монументальностью и эпичностью. Обычно он изображал людей во время молитвы, замкнутыми, обращенными в свой внутренний мир. Позы их еще статичны, как в средневековой традиции, но сами портреты уже имеют некую торжественность, присущую новой эпохе. Жан Фуке работал над иллюстрациями к религиозным и историческим манускриптам. Его миниатюры отличаются реалистичностью, они перенесены в обстановку Франции того времени.

Жан Фуке. Взятие Иерусалима

В 1494 г. начались походы французских королей в Италию, покорившую их своими роскошными дворцами, соборами, просторными городскими площадками, садами и пышными празднествами. Соединение итальянских и французских черт в искусстве Франции 16 в. породило оригинальный стиль, названный впоследствии первым Ренессансом. Окна и порталы средневековых французских замков украшались итальянскими росписями и орнаментами. На французских миниатюрах стали появляться увиденные в Италии памятники и пейзажи. Франциск I начал приглашать мастеров итальянского Ренессанса для работы во Франции (например, Леонардо да Винчи, внесший свой вклад в строительство замков на Луаре).

Французский двор в начале 16 в. стал одним из важнейших центров ренессансного движения, где устанавливались тесные связи с искусством итальянского Возрождения. Франциск I пригласил сюда множество просвещенных людей Франции - ученых, художников, поэтов. Его сестра Маргарита Наваррская была писательницей и собрала вокруг себя поэтов и писателей - гуманистов, в чьем творчестве просматривались новые идеи и устремления. Большую роль в формировании французского Ренессанса сыграли так же художники-маньеристы, приехавшие в 1530-х гг. из Италии и основавшие школу живописи и скульптуры в Фонтебло.

В это время Франциск I задумал перенести культурный и политический центр страны из долины Луары в Париж. Он разработал проект перестройки королевского дворца - Лувра. Для осуществления этих целей он привлекал самых прославленных архитекторов, скульпторов и живописцев Франции и Италии (Микеланджело, Андреа дель Сарто, Бенвенуто Челлини). В Италии не осталось практического ни одного значительного мастера, не получившего приглашения от французского короля. Некоторые из приглашенных отказывались от заманчивых и щедрых предложений, и тогда французы старались покупать их произведения, тем самым заложив основу для самых первых музейных коллекций.

Итальянские художники Джованни Батиста Россо и Франческо Приматиччо стали создателями нового направления в искусстве Франции. Оба они работали в крупной мастерской в Фонтебло, которая занималась украшением новых зданий короля. Под руководством Россо была оформлена галерея Франциска I. Ее стены украсили картинами с изображениями мифологических и исторических сюжетов. Работы мастеров школы Фонтебло отличаются ярко выраженной общностью стиля. Их искусство, изысканное, с оттенком фривольности, отвечало вкусам французского двора тех времен.

С 1515 г. при дворе работал художник Жан Клуэ Младший. Он и его сын Франсуа Клуэ создали целую галерею портретов практически всех значимых людей Франции 16 в.: короля Франциска I, его соратников, знаменитых придворных красавиц, участников итальянских походов. Портретная техника Франсуа Клуэ отличается от техники его отца. Он много внимания уделяет передаче фактуры материалов, деталям костюма. Его портреты раскрывают сущность человека точно и глубоко. Линии портретов его отца Жана Клуэ скупы и просты, он прорабатывает в подробностях только лицо. Такие детали облика человека, как прическа, костюм или головной убор он часто намечает лишь парой линий. Клуэ-отца интересовал конкретно сам человек и его сущность.

Жан Клуэ Младший. Франциск I

Одним из самых ярких представителей французского Возрождения был скульптор Жан Гужон. В отличие от итальянских художников, которые вдохновлялись идеей возрождения величия Древнего Рима, Гужон воплощал в своих произведениях традиции Древней Греции. Одна из самых знаменитых его композиций - "Фонтан невинных", над которым вместе с ним работал архитектор Пьер Леско. Фонтан был украшен рельефами с изображениями тритонов, наяд, нимф и других мифических существ. Своей тонкостью и гармонией работа фонтан напоминает великие образцы греческой пластики. Середина 16 в. стала вершиной искусства французского Ренессанса. Его расцвет прервали события, последующей во второй половине века. Открытое противостояние между католиками и протестантами породила кризис в общественной жизни, который отразился и на характере искусства. В конце 16 в. широкое распространение получил маньеризм, наиболее ярко выраженный в творчестве придворных художников, продолжавших традиции мастеров школы Фонтебло. Главными сюжетами в живописи, декорации гобеленов и гравюрах стали темы Страшного суда, а так же традиционных маскарадов и галантных празднеств.

Похожие статьи




Особенности и достижения искусства "Северного Возрождения" - Развитие искусства Италии в эпоху Ренессанса

Предыдущая | Следующая