Культура страны, Искусство как компонент культуры - Туристско-страноведческая характеристика Японии

Искусство как компонент культуры

Япония - одна из самых привлекательных, и в то же время загадочных стран мира. Страна является одной из наиболее развитых стран на всем земном шаре, и в то же время вряд ли какая страна сравнится с Японией в плане всякого рода тайн, загадок. Ну не похожа она ни на что. Но кроме высоких технологий, туризма, вежливости, специфического языка Япония славится и своим искусством - поэзией, живописью, театром. И это все тоже значительно отличается от западных форм. Такое ощущение, что у японского искусства в корне другой характер.

Одним из главных составляющих красоты в японской культуре является понятие "юген", то есть искусство намека или подтекста, чар недосказанности. Японское понимание эстетического очень далекое от европейского. Для японцев жажда, движение к совершенству прекраснее самого совершенства. Гармония для них - это не полнота, а наоборот недосказанность. Настоящую красоту можно передать только тем произведением, в котором сказано не все.

Потому и в живописи, и в театре, и в поэзии главное не то. что ты услышал увидел, прочитал, а то, что сумел понять из этого гораздо больше. В японских школах при изучении одного стихотворения, практически каждый ученик имеет свое представление, о чем оно. Каждый по своему представляет написанное. 99% японской поэзии написаны двумя поэтическими формами - танка (5 рядков, 31 слог) и хай-ку (3 рядка, 17 слогов). Эти максимально сжатые формы способны нести в себе глубинное содержание. Они намекают, а не утверждают. Поэтому, когда говорят о трудностях перевода, имеют ввиду не только перевод с языка на язык, но и перевод с культуры на культуру, с ментальности на ментальность.

Одной из гордостей Японии может по праву считаться и театр Кабуки. Правда на сегодняшний день он более популярен за рубежом, чем в самой Японии. Традиционно все роли здесь исполняют мужчины. Согласно рассказам, это связано с тем, что во время первой постановки, когда женщины также принимали участие в спектакле, многие зрители захотели похитить очаровательных актрис. Закончилось все кровопролитием. С тех пор в Кабуки роли исполняют только мужчины. Сцены из Кабуки сложно представить на другом языке. Поэтому также имеет место сложность перевода. Как и во всей японской культуре, здесь также присущи чары недосказанности, сцена несет в себе глубокий смысл. который никогда не раскрывается целиком.

Культура японских татуировок. Какие ассоциации возникают при слове "Япония"? Самураи, суши, сакэ, анимэ, хокку - вот, что знает почти каждый приверженец японских обычаев.

Материал этой статьи посвящен относительно новому для западных стран обычаю - японской татуировке.

Истоки появления татуировок относят к тому периоду, который называется Дзюмон (приблизительно 10 000 лет до н. э.). Само слово "Дзюмон" в буквальном переводе означает "Сплетение веревки".

И правда - древние татуировки (впрочем и те, что дошли до наших дней) больше всего походят на хитросплетение веревок или виноградной лозы. При этом каждый штрих рисунка, каждый нанесенный символ имеет свое особое значение.

Согласно японским верованиям, каждое животное несет в себе символ того или иного человеческого качества. Изображение животных - это символ единения с природой, подобие и гармоничность.

Например, изображение змеи - одно из самых древних художественных мотивов - повышает интеллектуальный уровень человека, развивает интуицию и даже ясновидение. Человек, носящий такой символ, делается более решительным, целеустремленным, активным, его воля становится железной, а дух - непоколебимым. Он преодолевает все жизненные преграды.

Символ паука носили весьма немногие люди. Паук был символом власти, успеха в делах и стратегического склада ума. Людей, носивших этот символ, побаивались, испытывали к ним уважение и страх.

Изображение тигра было свойственно мастерам боевых искусств. Этот символ вошел не только в культуру татуировок, но и в названия стилей восточных единоборств, таких как ушу и кунг-фу. Тигр символирует большую ловкость и физическую силу. Символ непреклонности и величия.

В древние времена значение татуировки было гораздо более важно, чем в наши дни, они несли в себе понятный каждому смысл.

Например, по узорам на губах женщины можно было определить, замужем ли она или нет, сколько у нее детей, какой социальный статус занимает она и ее муж.

Татуировки стали широко использоваться членами преступных сообществ - якудзами, что порой подводило их самих, выдавая их принадлежность к тому или иному клану.

Японская татуировка представляла собой рисунок на религиозные буддийские темы и нередко покрывала большие участки тела - как одежда. Так, например гейши носили татуировки, потому что закон запрещал им быть полностью голыми.

Наверняка такой закон появился так же из культурных предпочтений, поскольку для японцев обнаженное тело никогда не было "божественным" или хотя бы просто красивым (что присутствует в западной культуре). Вид обнаженного тела не имеет для них даже самого малейшего шарма. Именно поэтому в их эротических картинах никогда не было обнаженных людей и эротичная женщина в их понимании никогда не обнажена. Японцы используют татуировку, чтобы "персонализировать" свое тело. Мужчина или женщина, татуированные художником, никогда не окажутся полностью обнажены, даже при полном отсутствии одежды.

Современный мир узнал в татуировках очень стильное украшение, форму самовыражения и физического изменения тела в культуре молодых японцев.

Но, несмотря на свою красоту, татуировка не может постоянно удовлетворять потребностям в моде.

При этом сделать себе настоящую татуировку может лишь человек, достигший самостоятельности. В Японии это возраст с 20 лет. Считается, что татуировка прочно связывает человека с тем или иным духом, и поэтому решение о нанесении татуировки может делать лишь взрослый человек.

Но, несмотря на то, что сейчас татуировками уже мало кого удивишь, подлинные мастера ремесла художественной татуировки живы и сейчас.

Архитектура. Японская архитектура имеет столь же длинную историю как любая другая составляющая часть японской культуры. Первоначально испытав сильное влияние китайской архитектуры, японская архитектура разработала множество отличий и собственных подходов, присущих лишь Японии. В качестве примеров традиционной японской архитектуры можно назвать храмы, синтоистские святилища и замки в Киото и Наре. В целом, для японской архитектуры характерно стремление к простоте.

Традиционные деревянные жилые дома простых японцев, называемые "минка"(яп. ), максимально приспособлены к климату страны. Минка имеет каркасную конструкцию с несущей колонной в центре дома и раздвижными дверями. В настоящее время минка сохранились только в сельской местности.

VII век был отмечен бурным строительством буддийских храмов на территории Японии. Святилище Исэ-дзингу, посвященное богине Аматэрасу, -- основная синтоистская святыня Японии.

Своеобразием отличались японские замки, служившие не только для защиты своих хозяев от врагов, но и символом власти. Названия двух замков (Адзути и Момояма) дали название периоду в истории Японии -- Адзути-Момояма. В изначальном состоянии сохранилось очень немного замков, многие средневековые замки были разрушены во время войн, сгорели при пожарах, были разобраны по указанию правительства как пережиток феодального прошлого, в XX веке часть замков была восстановлена.

Необходимость отстраивать разрушенные здания после Второй мировой войны дала стимул для развития японской архитектуры. При этом отстроенные заново города сильно отличались от довоенных.

Некоторые современные архитекторы, например, Есио Танигути и Тадао Андо, известны тем, что широко используют объединение традиционных японских и западных архитектурных влияний.

Живопись. Специалисты уже давно обратили внимание на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока генетически связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности, существует понятие единства каллиграфических и живописных принципов. Соответственно в японской живописи, как и в китайской, издавна большую роль играет линия и распространены монохромные картины. Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена японского средневековья довольно долго основным течением в живописи было суйбокуго. Произведения в этом стиле создавались тушью. При этом показывалась игра света и тени на предметах, но отсутствовали контурные линии.

Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.

Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определенный спрос на произведения этих видов искусства.

Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле, или стиле ямато-э (живопись Ямато).

Одним из образцов исторической живописи Японии является живопись на эмакимоно -- свитки с изображением сражений. С течением времени (с XII века) религиозное содержание живописи на эмакимоно уступает место светским мотивам. Объектами изображения тут могли уже стать события японской истории, но трактуемые с точки зрения буддийской морали.

Помимо живописи в искусстве Японии особую роль играет мелкая пластика. Одним из наиболее популярных жанров этого вида искусства является нэцкэ. Происхождения их чисто практическое: поскольку традиционная одежда японцев не знает карманов, все необходимые мелкие предметы прикреплялись к поясу с помощью небольших брелоков -- нэцкэ. Вместе с тем, сохранив свое функциональное назначение, нэцкэ превратились в силу непреходящих эстетических потребностей народа в разновидность тонкой миниатюрной скульптуры. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см. в высоту) мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась бесконечно: изображения людей, животных, богов, исторических лиц, персонажей народных поверий.

Итак, познакомившись с основными направлениями в истории японского искусства, можно увидеть, как органически связано развитие художественной культуры Японии с развитием культуры Евразии. Но в то же время в руках японских мастеров формы и сюжеты, заимствованные с континента - из Индии, Китая, Сибири - становятся самобытными и неожиданными. В неразрывном единстве родного и заимствованного, в претворении чужого в своем - сила и жизненность тысячелетнего и нестареющего феномена японского искусства. В его созданиях, как бы причудливы и экзотичны они ни казались на первый взгляд, проступают общечеловеческие, присущие всякому народному искусству идеи и средства выражения. Каждый человек, каждое поколение видит Японию и японскую художественную традицию по-своему, своими глазами

Скульптура. Распространение в стране буддизма способствовало развитию в Японии искусства скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало скульптурного изображения будд, бодисатв и т. п. Однако буддизм же в определенной мере и сковывал это развитие, ибо единственным объектом изображения первоначально был Будда, причем, как известно, буддийские художники при его изображении вынуждены были считаться с весьма строгими предписаниями относительно того, как, в каких позах, при каком расположении рук, ног, туловища и каким именно образом он должен быть изображен. В период Асука, т. е. после 650 г., уже существовало много изображений Будды. В 650 г. выдающийся мастер этой эпохи Ямагути-но Атаногути по приказу императора создал композицию "Тысяча будд".

Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды в храме

Гангодзи, сделанная скульптором Тори Буси в начале VII века. Будда изображен стоя. Высота фигуры 5 м. Известны изображения Будд из бронзы. Например, скульптура триады Сяка в Золотом храме ансамбля Хорюдзи. Однако преобладающая часть буддийских скульптур выполнялась из дерева.

К числу памятников ране буддийской скульптуры, восходящих к импортированным, прежде всего, корейским образцам, но уже явно отмеченных своеобразием японского гения относится статуя Гусэ Каннон из храма Юмэдоно (дословно "Павильон сновидений") в монастыре Хорюдзи. Фигура богини выполнена из одного куска камфорного дерева. Искусствоведы считают, что это деревянная копия бронзовой статуи, покрытая позже тонким листовым золотом. Каннон - так называли японцы бодисатву Авалокитешвару. В Японии этот образ слился с образом женского божества, выражающего идею материнской любви, милосердия, милости ко всему живущему.

Скульптура в Японии продолжала свое развитие и в период Нара, когда ранний японский абсолютизм достиг расцвета (примерно вторая половина VII в.). Скульптуры этого периода характеризуются уже большей творческой свободой мастера, а лучшие отличаются пластичностью и правильностью в передаче пропорций человеческого тела. Прекрасными образцами искусства того периода являются голова Будды в храме Ямададэра и триада Якуси в храме Якусидзи. Как и в других буддийских странах, в Японии периода Нара создаются огромные скульптурные изображения будд и бодисатв, расположенные вне помещений. Например, 18-метровая скульптура бодисатвы Мироку в храме Дайандзи.

В целом буддийская скульптура в Японии достигла в период Нара уровня лучших образцов скульптуры других буддийских стран.

В поздний период Нара (VIII в.) была построена группа ведущих храмов, что потребовало большого количества скульптур. В изображениях будд в этот период отмечается более строгое следование канону. Вместе с тем буддийская скульптура стала более разнообразной. Начала развиваться и портретная скульптура. Характеризуя особенности реализма в японской скульптуре того периода, академик Н. И. Конрад писал: "Скульптура наделена живым человеческим лицом; но важна не столько точная передача внешних черт портретируемого, сколько внутреннее выражение средневекового портрета.

Выражение же может быть реалистическим, если оно соответствует внутренней природе изображаемого персонажа. Персонажи в данном случае - святые, подвижники, проповедники; подлинное в них - именно то, что делает их святыми, подвижниками, проповедниками. Вот эту истинную - для данного случая - реальность, выраженную в человеческом облике, и демонстрируют статуи эпохи Тэмпе (2-я и 3-я трети VIII в.). Для современного наблюдателя это - скульптурные портреты очень разных людей с выразительными лицами, порою нервными, чуть ли не издерганными, порою исполненными величавого покоя, сосредоточенности, глубокого раздумья. А рядом с ними - то, с чем они, эти святые, воевали, ради чего, во имя чего боролись. Воевали они со злом, и вот оно - в образе ужасного демона. Боролись за добро, и вот оно - в образе светлого божества". Скульптуры в период Нара создавались из глины, дерева, глины и дерева, сухого лака без основы, металлов, камня. Одной из наиболее древних скульптур, дошедших до нас и выполненных из дерева и глины, является скульптура Конгорики-си - божества, охраняющего буддийское учение, созданная, как предполагается, около 711 г. Скульптуры из сухого лака также порой достигали внушительной величины - до 3 м. В конце периода Нара глиняная скульптура начала исчезать, деревянная же продолжала развиваться.

Об искусстве японских скульпторов периода Нара косвенно свидетельствует наличие особых мастерских для изготовления будд. Мастерские эти подчинялись особому учреждению - приказу по строительству храмов Тодайдзи. В приказе были объединены художники, резчики по дереву, скульпторы, мастера по лаку, специалисты в области художественного литья и др. Здесь велась документация, из которой можно узнать, какие мастера и когда выполнили те или иные художественные заказы. Часть ее дошла до нас.

Одной из примечательных скульптур периода Нара является так называемый Большой Будда - Дайбуцу. Работы по сооружению этого бронзового колосса начались в 747 г. и завершились в апреле 757 г. Церемония освящения, Большого Будды состоялась по требованию духовенства даже до завершения работ по позолоте этой скульптуры. Гигантская фигура предназначалась для столь же грандиозного, величественного храма Тодайдзи.

В дальнейшем статуя Большого Будды вместе с храмом несколько раз разрушалась и вновь воссоздавалась. Дошедшая до нас скульптура почти полностью реконструирована в 1692 г.

Развитие каменной скульптуры в Японии тормозилось отсутствием подходящих материалов. До наших дней, правда, сохранилось много каменных будд, но все же каменная буддийская скульптура в Японии распространена значительно меньше, чем в других буддийских странах. От периода Нара до нас дошли рельефные на камне изображения будд - так называемые будды дзуто. В этот период вообще была довольно развита техника скульптурного рельефа.

Рельефы выполнялись на металле, камне, черепице и кирпиче. Признаком высокого уровня развития скульптуры в период Хэйан является наличие разных стилей, направлений. Специалисты выделяют несколько таких стилей, хотя и не всегда достаточно обоснованно.

Что касается техники выполнения скульптуры, то для раннего Хэйанского периода было характерно создание скульптуры из одного куска дерева. Получил развитие и особый метод резьбы по дереву - хомбо. Скульптура из глины и сухого лака постепенно исчезла. С начала XI века широкое распространение получил метод киесэ, который состоял в том. что скульптура изготовлялась по частям, которые после обработки плотно соединяли друг с другом. Это метод так называемой блочной скульптуры. Считается, что он был разработан и освоен скульптором Дзете. Метод киесэ возник на базе метода сэгура, заключавшегося в том, что статую делали полой, причем постепенно полыми стали делать не только голову и туловище, но и конечности.

Для Хэйанского периода является весьма характерным интенсивное развитие живописи, которая оказывала влияние и на искусство скульптуры: мастера стали уделять большее внимание живописно-пространственному ее решению в ущерб объемности и пластичности. По-видимому, этим объясняется появление лоских и декоративных скульптур, как, например, изображение. В конце хэйанского периода в Киото существовало несколько скульптурных мастерских.

В начале периода Камакура (с 1185 г.) скульпторы продолжали развивать традиции Хэйанского периода. Важную роль в этом божества Амида Нерай, главной святыни храма Бедоин, исполненной знаменитым Дзете за несколько лет до его смерти (1057 г.).

Огромную роль в, совершенствовании японской скульптуры периода Камакура продолжала играть мастерская, основанная Дзете. С нею связана деятельность таких выдающихся скульпторов, как Кокэй, его сын Ункэй, ученик Ункэя Кайкэй, известный также под именем Аннами.

Прекрасными скульпторами были также сыновья Ункэя: Танкей, Кобэн, Косе. Кобэн создал, в частности, широко известные статуи злых духов с фонарями: Тэнтоки - злой дух с фонарем в левой руке, Рютоки - злой дух с фонарем на голове. Шедевром Косе является исполненная динамизма скульптура священника Куя при храме Рокухарамицудзи.

В искусстве периода Камакура имели место реалистические тенденции, которые нашли наиболее полное воплощение в портретной скульптуре, в том числе в светской. Среди сохранившихся скульптурных портретов изображения известных военачальников.

К концу периода Камакура уже не велось крупное храмовое строительство, поэтому потребность в скульптуре уменьшилась. К тому же и войны, которые вели между собой северные и южные властители страны, не способствовали развитию искусств.

В последовавший за периодом Камакура период Муромати (1392-1568) получили распространение реалистические скульптурные изображения животных, рельефы с глубокой резьбой, а также маски для театра. Однако японская скульптура в дальнейшем так и не сумела подняться выше того уровня, которого она достигла в периоды Хэйан и Камакура, считающиеся классическими. После периода Камакура ведущую роль в искусстве играли уже иные виды, прежде всего живопись и прикладное искусство.

Но были, разумеется, и исключения. Например, в период Эдо жил и работал замечательный мастер Энку. Деревянные скульптурные портреты Энку кажутся очень современными. Между тем это XVII век. Никто не знает точно, когда родился художник, умер он в 1695 г. Энку - его дзэнское прозвище, означающее "Совершенная пустота". Вел он нищенскую, бродячую жизнь, может быть, даже не был монахом. Странствуя. Энку в качестве платы за ночлег и миску вареного риса вырезал из дерева простые и динамичные статуи любимых народом божеств. Как художник Энку был чрезвычайно плодовит и изобретателен и нередко совершенно отходил от официальной буддийской иконографии. Работы Энку сохранились в самых неожиданных местах, от Хоккайдо до Сикоку, чаще всего их можно встретить в маленьких деревенских храмах в окрестностях Нагоя. Любимым его материалом была криптомерия - дерево с мягкой древесиной и ровной фактурой. Скульптор рассекал ствол на четыре высоких куска и одну за другой вырезал выразительнейшие фигуры - быстро и уверенно, в неистовом вдохновении.

Похожие статьи




Культура страны, Искусство как компонент культуры - Туристско-страноведческая характеристика Японии

Предыдущая | Следующая